Los artistas de la revolución mexicana llegan a Londres

  • 8 julio 2013
Dr Adrian Locke frente a la pintura de José Chávez Morado, Carnaval en Huejotizngo (Foto: Emma Lynch)
Image caption Dr Adrian Locke frente a la pintura de José Chávez Morado, Carnaval en Huejotizngo (Foto: Emma Lynch)

La revolución de 1910 trajo un enorme período de inestabilidad en México pero, al mismo tiempo, este ambiente de cambios dio lugar a una era de intensa creatividad artística y cultural y una comunidad de artistas dedicados a promover el arte como símbolo de esa revolución.

De este período surgió el movimiento de los muralistas, representado por los tres grandes: Diego Rivera, y su esposa Frida Kahlo, David Alfaro Siqueiros y José Clemente Orozco. Pero muchos otros artistas, tanto mexicanos como extranjeros, llegaron al país atraídos por el "renacimiento cultural" que se estaba llevando a cabo en México.

Una nueva exposición en la Royal Academy de Londres, reúne por primera vez a algunos de los artistas que compartieron esta "revolución".

En BBC Mundo los invitamos a recorrer la exhibición con Adrian Locke, curador de la Royal Academy, quien nos explica porqué eligió estas pinturas presentadas en "México: Una Revolución en el Arte, 1910-1940.

Haga clic en los títulos para conocer las obras.

Autorretrato - Frida Kahlo

Image caption Frida Kahlo, Autorretrato,1938. Sotheby's New York/DACS

Frida Kahlo es famosa por sus autorretratos pero este es uno muy pequeño (mide 5 x 4 cm), muy íntimo y muy personal porque fue pintado como un símbolo de amor y diseñado para llevarse en un medallón, muy cerca del corazón.

Lo elegí porque pienso que esta intimidad nos ofrece una diversidad en las escala de las obras que se presentan en la muestra: tenemos un enorme lienzo de Diego Rivera frente a una pequeñísima Frida Kahlo. Y me gusta esta yuxtaposición.

En este autorretrato Kahlo aparece con un adorno rojo en el cabello mirando directamente al observador, que suponemos es la persona amada que recibirá el objeto.

Muchos de los autorretratos de Kahlo eran expresiones muy conscientes de dolor o de sufrimiento, tormento o introspección. Pero lo que hace a este autorretrato diferente es que es un mensaje de amor. Esto es algo que no vemos en sus autorretratos.

Carnaval en Huejotzingo - José Chávez Morado

Image caption José Chávez Morado, Carnaval en Huejotzingo, 1939. © DACS 2012

En el arte mexicano están los 3 grandes: Rivera, Orozco y Siqueiros. Pero muy poca gente ha oído hablar de José Chávez Morado. Ciertamente en Inglaterra es quizás completamente desconocido.

Ésta es una pintura muy hermosa que ciertamente capturó la imaginación de la Royal Academy. Ahora la han utilizado para el afiche, la portada del catálogo, la bolsa, la camiseta. Realmente es una imagen muy poderosa.

En ella aparecen tres personajes participando en un carnaval. Son los típicos estereotipos mexicanos, por decirlo así: un hombre vestido con un disfraz de esqueleto representando el Día de los Muertos, otro hombre con una máscara que hace referencia a las culturas precolombinas o indígenas y el tercero es el típico estereotipo del mexicano con un pañueño cubriéndole la boca, un sombrero enorme en la cabeza y va cabalgando un caballo de juguete, es un “bandido”.

La obra es principalmente sobre la identidad del mexicano, y en cierta forma este es el tema principal de la exhibición: cómo los artistas mexicanos se representan a sí mismos, a su propio país y su propia cultura y cómo cada vez adquieren más confianza en esa identidad, entre más observan y conocen a su país.

Porque hay recordar que antes de la revolución, los artistas solían mirar afuera de México para encontrar inspiración para su arte . Hoy miran hacia adentro para inspirarse y el poder de esta pintura en particular, me parece, es que captura lo que verdaderamente es México: una mezcla de culturas.

El Verano - Antonio Ruiz

Image caption Antonio Ruiz, El verano, 1937 © Archivo Antonio Ruiz

Antonio Ruiz trabajó durante muchos años en Howllywood en cine y en diseño de escenarios. Regresó a México 1929 donde trabajó también en diseño de escenarios, particularmente de teatro. Pero a partir de 1937 comenzó a crear estas pinturas pequeñas pero sumamente detalladas y satíricas de México.

Aquí tenemos a una pareja tradicional campesina que mira al escaparate de una tienda donde maniquíes exhiben la última moda en ropa de playa, la ropa que usarían los turistas en Acapulco o la costa del Pacífico.

Lo que Ruiz está explorando en esta obra es la tensión entre los mundos irreconciliables de México: el mundo del campesinado y el de la clase media con sus aspiraciones sociales y el enorme golfo que divide a ambas.

En esta obra está criticando a los políticos por no hacer lo suficiente para reconciliar estas diferencias en México.

También describe la relación que siempre ha caracterizado a México con su vecino Estados Unidos: los mexicanos que aspiran a ser o tener lo que promete Estados Unidos y la “indiferencia” con la que los estadounidenses suelen mirar a los mexicanos.

El Hueso - Miguel Covarrubias

Image caption El Hueso. Miguel Covarrubias (1940). Foto: Emma Lynch

Elegí las obras de esta exposición para que nos mostraran lo que ha ocurrido en México desde la revolución y esta obra, en particular, nos lo muestra.

El tema de la pintura es el poder que gozaban ciertos individuos a nivel local, en particular aquellos individuos que tenían fuertes afiliaciones políticas.

Esta pintura presenta a un joven que ha sido nombrado maestro de escuela y sabemos que es un nombramiento que se debe a que es miembro de un partido político. Lleva el broche de su partido en la solapa. Y en el suelo, a su lado, hay un hueso.

“Hueso” para los mexicanos quiere decir “dar trabajo a los amigos”. Así que lo que nos dice esta pintura es que a pesar de que ya pasaron 20 años desde la revolución (la pintura es de 1940) todavía siguen existiendo ciertos elementos en la sociedad mexicana que siguen siendo problemáticos, cosas que nunca cambiaron.

Así que un período de transición en México que fue tan importante quedó plasmado en esta obra y también está plasmado el hecho de que las transiciones políticas toman mucho tiempo. Pero al mismo tiempo estos artistas nos están diciendo que a pesar de todos estos problemas: la violencia, la corrupción, etc., a pesar de ellos, en México hubo un estallido tremendo de actividad creativa. Es una paradoja muy interesante.

Invitados

Image caption Visitantes miran fotografías en la exhibición de la Royal Academy. (Foto: Emma Lynch)

La exposición no se trata sólo de artistas mexicanos durante la revolución. También estamos presentando a artistas de otros países asociados a este periodo de creatividad en México, que vivieron en México o pasaron un período corto en el país.

El objetivo de la exhibición es mostrar la riqueza artística de México en esta época y el hecho de que una enorme producción artística se estaba llevando a cabo en momentos en que el país atravesaba por enormes reformas y cambios.

Fue una época en la que el arte tuvo un lugar privilegiado en ese proceso de reforma, porque el gobierno apoyaba a los artistas, empleándolos y dándoles un salario, materiales y ayudantes. Y les dio paredes y muros para que los pintaran.

En el extranjero los artistas estaban hablando del impacto de los cambios que estaban ocurriendo en México "con un movimiento dirigido por Rivera y Orozco". Y eso atrajo a los extranjeros.

Fue por eso que México se convirtió en esa época en un imán para extranjeros: DH Lawrence, Paul Strand , Edward Weston, Tina Modotti, Philip Guston, Henrietta Shore, y muchos más vivieron allí en ese período.

Mandolinas y Piñas - Rufino Tamayo

Image caption Rufino Tamayo, Mandolinas y Piñas, 1930.The Phillips Collection, Washington DC.

Ésta es una de las primeras obras de Tamayo. Es una pintura muy hermosa. Mi interpretación es que Tamayo fue un artista que no deseaba pintar imágenes políticas, que no quería dar un mensaje revolucionario en su trabajo como lo estaban haciéndolos demás.

Pero aún así ésta es una pintura esencialmente sobre México, y específicamente sobre Oaxaca, el lugar donde nació.

La pintura muestra unas piñas (ananá) -Oaxaca es el centro de cultivo de piñas en México- también muestra mandolinas y una marimba en el fondo. Para mi esta pintura es un canto de amor a Oaxaca: a su música, sus sabores y el sentimiento que Tamayo tenía por la ciudad donde nació.

Inicialmente Tamayo no fue considerado parte de los muralistas pero ahora cualquiera que visita México puede ver sus murales por todas partes, con imágenes poderosas abstractas y algo etéreas.

Ahora Tamayo es considerado uno de los grandes artistas del siglo 20.

Barricada - José Clemente Orozco

Image caption Visitantes mirando la obra de Orozco (centro) y otras pinturas. (Foto: Emma Lynch)

José Clemente Orozco es el artista verdaderamente revolucionario, hasta hoy en día. Tanto Orozco como David Alfaro Siqueiros fueron tremendamente intensos en su pintura.

Esta es una copia en lienzo de un fresco que hizo en 1926 en la Escuela Nacional Preparatoria. En ella vuelve a trabajar un tema que ya había utilizado antes: una referencia a la deposición de Cristo, pero en este caso Cristo es un trabajador.

Así que la base de la obra es la lucha por la igualdad y la lucha del trabajador por el reconocimiento dentro de la sociedad mexicana.

En todo este período de México la intención de estas pinturas es demostrar el sentido de la revolución, el sentido de la lucha aspiracional por lograr un cambio en la sociedad. Esto es algo que está presente en todas las obras.

Orozco y Rivera tenían una enorme rivalidad. Ambos luchaban por el título de el artista más grande de México y esto es algo que Rivera tenía muy consciente: la “amenaza” de Orozco. Así que Rivera hizo muchas cosas para promoverse a si mismo.

Zapata - David Alfaro Siqueiros

Image caption David Alfaro Siqueiros, Zapata, 1931. Photography by Lee Stalsworth / © DACS 2013

Todos estos son artistas muy interesantes, cada uno a su manera. Hoy en día Frida Kahlo es probablemente la artista mexicana más conocida y famosa, Rivera por supuesto es la figura dominante del movimiento.

Pero yo tengo cierta debilidad por David Alfaro Siqueiros porque fue un verdadero alborotador: vivía motivado, escribía manifiestos, luchó en la revolución y en la guerra civil española, fue encarcelado por estar involucrado en el asesinato de Trotsky, fue un hombre de acción.

Pero lo principal es que Siquieros tenía una idea muy clara de lo que un artista debía ser y cómo debía contribuir el arte en este tipo de ambiente político. En este sentido opinaba que Rivera era muy “folclórico”, que su obra no era suficientemente poderosa.

Este es un retrato póstumo de Emiliano Zapata. Es una representación muy oscura y sombría de Zapata: la vida parece estar alejándose de sus ojos.

El hombre está en un espacio muy confinado, lo que parecería ser una cripta, o ¿quizás es el monumento a la revolución?

El tema dominante de la pintura es ¿dónde está Zapata?

Para mi esta obra tiene esa ambigüedad: el fracaso de la revolución para solucionar los problemas por los cuales luchó mucha gente, incluido Zapata, como la reforma agraria y la integración de la población campesina en la sociedad mexicana.

Baile en Tehuantepec - Diego Rivera

Image caption Diego Rivera, Baile en Tehuantepec, 1928, DACS

Esta es la mayor pintura de la exposición. Se dice que es el lienzo más grande que pintó Rivera y muestra a los bailarines de la Zandunga en Tehuantepec.

Es una pintura que refleja el hecho de que antes de la revolución la mayoría de los artistas debían gravitar hacia la Ciudad de México donde estaba la Academia de San Carlos y donde estaba el mercado de arte. Y una vez que llegaban a la Ciudad de México a menudo buscaban fondos para viajar al extranjero a España o Francia.

Pero después de la revolución se dio este cambio en el que los artistas llegaban a la Ciudad de México, pero en lugar de viajar al extranjero se quedaban en el país y viajaban internamente. Se dio entre los artistas una verdadera exploración de México.

Y eso es lo que muestra esta pintura, y otras obras de la exposición: cómo los artistas captaban el sabor, la esencia y los colores de México. Y captura la dignidad de estos personajes con sus vestuarios y sus tradiciones y la vitalidad del pueblo mexicano.

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